Handel and Hendrix: in due sotto un tetto

La vita e la musica di George Frideric Handel (1685-1759) e Jimi Hendrix (1942-1970) sono diverse come il giorno e la notte, eppure questi due grandi per un breve periodo sono stati vicini di casa. Separate da un muro e da due secoli di storia al 23 e 25 di Brook Street, nel cuore dell’elegante Mayfair, sono le case di questi due grandi della musica che fecero di Londra la loro casa e cambiarono la musica per sempre.

Photo: Phillip Reed/Handel House Trust Ltd

Handel prese possesso  del n. 25 di Brook Street nell’estate del 1723, poco dopo essere stato nominato da Giorgio II compositore della Cappella reale poiche’, in quanto straniero, Handel non poteva possedere una proprietà. Ma la zona in cui si trovava Brook Street, nel quartiere elegante dell’alta borghesia georgiana di Mayfair, abbastanza lontano dalla dubbia comunità di artisti e musicisti che ruotavano attorno a Soho e a Covent Garden, ma abbastanza vicino al palazzo di St. James’s Palace, dove svolgeva le sue funzioni ufficiali e King’s Theatre in Haymarket che era al cuore dell’opera italiana su cui al momento si incentrava la sua carriera e Handel rimase li anche dopo la sua naturalizzazione nel 1727. La zona doveva davvero piacergli (lo si può biasimare?) visto che visse lì per quasi 40 anni (fatto di per se notevole, visto che i compositori d’opera all’epoca condicevano una vita alquanto nomadica. Lì ha scritto il Messia, The Water Music (1717), Zadok the Priest (1727), Music for the Royal Fireworks (1749) e molti altri capolavori e lì morì, nella sua camera da letto del primo piano nel 1759.

Handel's Harpsichord. Handel & Hendrix in London. London 2016 © Paola Cacciari
Handel’s Harpsichord. Handel & Hendrix in London. London 2016 © Paola Cacciari

Jimi Hendrix, da molti considerato il più grande chitarrista rock, visse nella casa accanto, al 23 di Brook Street con la sua fidanzata inglese, la DJ Kathy Etchingham per due anni prima di morire in circostanze ancora misteriose in un hotel di Notting Hill nel 1970, a soli 27 anni – probabilmente soffocando nel sonno in seguito ad un’overdose accidentale, anche se alcuni non escludono  il suicidio.

Entrambe le case sono tipiche dimore borghesi dell’epoca georgiana e la disposizione degli ambienti segue le convenzioni tipiche degli edifici di questo periodo, con le cucine nel seminterrato, le camere disposte su ciascuno dei tre piani (una stanza anteriore e una posteriore più piccola con un bagno vicino) e con gli alloggi della servitù nella la soffitta.

Fu Kathy Etchingham a trovare l’appartamento nel Giugno del 1968 grazie ad un annuncio su uno dei giornali della sera (quando ancora c’erano) mentre Hendrix era a New York per la cifra di £30 alla settimana. La coppia visse nell’appartamento all’ultimo piano per una anno circa prima di separarsi nel 1969. Pare che Hendrix, per il quale questa era la “prima vera casa” si sia divertito un mondo ad arredarla secondo i suoi gusti con tessuti colorati e soprammobili e gingilli vari comprati a Portobello Road e in vari altri mercatini.

Jimi Hendrix flat. Handel & Hendrix in London. London 2016 © Paola Cacciari
Jimi Hendrix flat. Handel & Hendrix in London. London 2016 © Paola Cacciari

La Etchingham ricorda interminabili spedizioni da John Lewis, il grande magazzino su Oxford Street, per acquistare tende e cuscini dove Hendrix si lanciava in interminabili discussioni con i commessi su colori e accostamenti dei tessuti. E l’atmosfera e’ davvero di accogliente intimità, anche se credo che mai come in questo caso la frase “se i muri potessero parlare” sia appropriata. E davvero non avrei voluto essere il vicino del piano di sotto di questa coppia di creativi e dei loro amici della scena della Swinging London!

Strano ma vero: quando Hendrix venne a sapere chi fosse stato il suo illustre vicino ne fu molto felice e non sapendo molto di Handel si precipitò nel famoso negozio One Stop Records in South Molton Street per acquistare le registrazioni di The Royal Fireworks e The Water Music – cosa che ha fatto dire ad alcuni musicofili di poter individuare i riff del compositore nella musica successiva di Hendrix…

Handel & Hendrix in London

25 Brook Street
Mayfair, London W1K 4HB
Telephone: +44 (0)20 7495 1685

2019 © Paola Cacciari

Spartacus. Ovvero, la potenza dell’esercito del Bolshoi

Forse solo un marziano non conosce la storia di Spartaco e degli schiavi rivelli nel 73 a.C., diventata nota anche grazie al film di Stanley Kubrick nel 1960 e interpretato da Kirk Douglas. Alla fine del film, sconfitta la rivolta, Crasso propone ai sopravvissuti dell’esercito degli schiavi ribelli (tra cui c’è anche Spartaco) di identificare (vivo o morto) il loro comandante, in cambio della loro vita – una vita che comunque dovranno trascorrere nuovamente in schiavitù. Spartaco decide di consegnarsi, ma quando sta per alzarsi, tutti i suoi compagni fanno lo stesso, pronunciando ognuno la frase “Io Sono Spartaco!”.

Nelle mani di Yuri Grigorovich la storia della ribellione degli schiavi diventa l’allegoria di un popolo oppresso (quello sovietico) che lotta coraggiosamente per rovesciare una classe dirigente fascista e decadente. Creato nel 1968, lo Spartacus del Bolshoi è un’opera tipicamente sovietica, e tipicamente “del” Bolshoi, un luogo dove le dimensioni contano – non per niente il nome del teatro significa “grande” in russo. E come il Bolshoi, questo è un balletto di dimensioni straordinarie, a cominciare dall’esercito di ballerini necessari per un tale spettacolo, tutti identicamente e perfettamente addestrati per finire (ma solo metaforicamente) con la grandiosa musica di Aram Khachaturian.

Denis Rodkin (Spartacus) in Spartacus by the Bolshoi Ballet at Royal Opera House, London. Photograph Tristram KentonThe Guardian
Denis Rodkin (Spartacus) in Spartacus by the Bolshoi Ballet at Royal Opera House, London. Photograph Tristram KentonThe Guardian

La trama è semplice, come lo sono i quattro personaggi principali: il nobile, indomito gladiatore Spartacus, Frigia, la sua amata, bella e dal cuore puro, il folle Crasso, capo dell’esercito romano e la venale cortigiana Aegina. Gli uomini dominano il palco: schiavi e soldati che si muovono all’unisono, dritti come le loro spade, e poi lo Spartaco di Denis Rodkin che affronta il console romano Crasso (Artemy Belyakov).

Più che in frasi liriche, la coreografia di Grigorovich si esprime in spettacolari tableau che utilizzano blocchi di ballerini e cortigiane illuminati da un chiaroscuro di sapore caravaggesco, che entrano ed escono dalla scena muovendosi in perfetto accordo.

Denis Rodkin (Spartacus) and Anastasia Denisova (Phrygia) in the Bolshoi’s Spartacus. Photograph Tristram KentonThe Guardian
Denis Rodkin (Spartacus) and Anastasia Denisova (Phrygia) in the Bolshoi’s Spartacus. Photograph Tristram KentonThe Guardian

Spartacus è un vero tour de force, non solo da parte dei solisti (Irek Mukhamedov, l’indiscusso Spartaco del Bolshoi dal 1986 al 1991, famosamente ha detto scherzando che la cosa piu’ soddisfacente del ruolo era arrivare vivi alla fine del balletto…), oltre ad essere una meravigliosa esibizione di potenza da parte del corpo di ballo del Bolshoi.

Ed è anche incredibilmente divertente e interessante: la narrativa  tipicamente cinematografica infatti lo rende una sorta di film ‘danzante’ che alterna melodrammatici pas de deux che sfidano la gravità (come quello in cui Spatacus/Rodikin alza Phrygia/Denisova con un solo braccio, momento in cui l’intero teatro di Covent garden e’ esploso in un sonoro applauso…) a *vagamente cominci) baccanali ed esplosive scene di battaglie, il tutto unificato dalla straordinaria partitura di Khachaturian, con le sue potenti percussioni, il suo romantico tema d’amore e qualche sorprendente tocco di jazz spizzicato qua e la’. Spartacus insomma è ancora un balletto per le masse e le masse contunuano a godreselo alla grande. Certamente io l’ho fatto (e non solo per i vigorosi giovanotti in calzamaglia… 😜)

 

Bolshoi Ballet @ Royal Opera House London

Monday 29 July-Saturday 17 August 2019

http://www.roh.org.uk/about/bolshoi

2019 © Paola Cacciari

I Pianeti di Holst

Se c’è una suite che mi fa venire la pelle d’oca ogni volta che la ascolto è Mars, the Bringer of War, con i suoi tamburi minacciosi e il suo ritmo opprimente che ci fa restare attaccati alla sedia pieni di paura come se, al posto di un’orchestra (gigantesca bisogna dire, ma sempre un’orchestra) ci si trovasse davanti un’intero esercito di immense proporzioni in formazione di battaglia, pronto ad attaccarci. Eccetto che non lo è: è solo musica, anche se si tratta di una musica che ha la potenza di una bomba atomica. Esattamente il contrario della serenita’ che mi pervade quando sento le note di Jupiter, the Bringer of Jollity: Non a caso Giove è il re dei pianeti e come tale viene rappresentato…

I Pianeti op. 32 (The Planets) è probabilmente la composizione più iconica, riconosciuta e di successo scritta fra il 1914 e il 1916 dal compositore Gustav Holst (1874-1934 e che nonostante il nome era inglese, anche se di origine svedese 🙂 ), ispirata dalla sua passione per l’astrologia e la teosofia.

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Ognuno dei sette movimenti reca nel titolo il nome e il carattere astrologico di un pianeta.

  1. Mars, the Bringer of War
  2. Venus, the Bringer of Peace
  3. Mercury, the Winged Messenger
  4. Jupiter, the Bringer of Jollity
  5. Saturn, the Bringer of Old Age
  6. Uranus, the Magician
  7. Neptune, the Mystic
  • Il primo dei sette brani della suite è Mars, The Bringer Of War (“Marte, il portatore di guerra”), ispirato al carattere battagliero e implacabile del dio della mitologia greca e romana che dà il nome al pianeta. Fu definito “il più feroce pezzo di musica di tutti i tempi” ed evoca una scena di battaglia di immense proporzioni. È il brano più famoso, citato e imitato di Holst. Ha certamente influenzato un certo stile compositivo di colonne sonore del cinema, specie di film d’ambientazione fantascientifica. Holst diresse l’esecuzione di questo movimento poco più veloce di una marcia, dandogli un carattere meccanico e inumano.
  • Il secondo brano è Venus, the Bringer of Peace (“Venere, la portatrice di pace”), brano pacato, sereno e dolcemente evocativo, ispirato alla figura dell’antica dea e dall’apparenza di luminosa placidità del pianeta (Venere è il pianeta più luminoso del cielo).
  • Mercury, the Winged Messenger (“Mercurio, il messaggero alato”) è uno scherzo veloce, leggero, scintillante nell’orchestrazione e nell’uso di armonie esotiche. Probabilmente l’idea di velocità fu ispirata anche dal fatto che il pianeta Mercurio ruota molto velocemente intorno al sole (88 giorni).
  • Jupiter, the Bringer of Jollity (“Giove, il portatore dell’allegria”), brano di larga popolarità, alterna momenti di grande allegria e scoppiettante giovialità a momenti (nella sezione centrale) di epica, cantabile solennità. L’inciso centrale fu infatti rielaborato successivamente da Holst in un inno (I Vow to Thee, My Country), molto popolare in Inghilterra ed usato spesso in occasioni solenni. Il pianeta Giove è il più grande del sistema solare.
  • Il brano dedicato a Saturn, the Bringer of Old Age (“Saturno, il portatore della vecchiaia”), che inizia con una regolare e lugubre scansione ritmica, come il ticchettio di un orologio, che accompagna poi l’intero brano, rappresenta l’ineluttabilità del cammino della vita e rivela sia la dignità sia la fragilità della vecchiaia. È il brano più originale della serie e Holst lo predilesse tra tutti.
  • Uranus, the Magician (“Urano, il mago”) è un brano dall’incedere frenetico e grottesco, caratterizzato da una crescente vitalità che sfocia in un pianissimo finale, chiaramente un omaggio ad un altro celebre scherzo sinfonico, L’Apprendista Stregone di Paul Dukas.
  • Neptune, the Mystic (“Nettuno, il mistico”), è un brano misterioso ed evocativo di remoti mondi alieni, privo di un tema ben definito, un’eterea alternanza di due accordi minori a distanza di una terza minore, che nella parte finale viene arricchito da un coro femminile dietro le quinte.

(Grazie Wikipedia 🙂 )

Andrew Gourlay conducts The Planets

2 July 2019 Queen Elizabeth Hall Southbank Centre, London

Boris Godunov, ovvero un saggio sulla leadership e le sue trappole.

Un sovrano ambizioso che si chiama Boris, perseguitato da sensi di colpa per le cattive azioni da lui compiute in passato per assumere il comando del Paese. No, non sto parlando di Boris Johnson, il potenziale nuovo primo ministro britannico che i sensi di colpa dovrebbe averceli eccome e ancora da prima della Brexit, che da quando è entrato in politica non ne combina una giusta, ma dello zar Boris Fëdorovič Godunov (1551-1605).

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Di nobile stirpe tatara, Boris conquista il favore di Ivan IV il Terribile, tanto che alla sua morte divenne il vero capo dello stato, a causa dell’incapacità del successore Fëdor Ivanovič, riordinando l’amministrazione, istituendo il patriarcato (1589) come elemento di appoggio al potere assoluto, favorendo la media proprietà e il libero scambio.

Nel 1590 una fortunata guerra contro la Svezia gli fece riavere le terre perdute da Ivan IV. Stimolò il commercio estero, aprendo almeno parzialmente le frontiere russe agli stranieri, inviò diversi giovani a studiare in Europa, avviò lavori di restauro e nuove costruzioni nel Cremlino moscovita. Alla morte di Fëdor nel 1598, Boris salì al trono.

E qui comunciarono i guai. Boris, che si dimostrò spietato con le famiglie dell’alta aristocrazia, i boiari, che gli si opposero, si trova ora a fronteggiare una sempre maggiore opposizione da parte loro. Questa, unita all’insoddisfazione popolare sfociarono nel 1604 in una rivolta sostenuta dalla comparsa di un falso discendente di Ivan IV. Boris Godunov morì improvvisamente per cause sconosciute, ma quasi certamente naturali, il 23 aprile 1605, dopo solo sette anni di regno, lasciando l’instabile regno al figlio Fëdor II Borisovič, che fu ucciso dai boiari pochi mesi dopo.

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La sua figura ha ispirato diversi poeti, fra i quali Aleksandr Puškin che, nella tragedia Boris Godunov, composta nel 1825 e pubblicata nel 1831, ha cercato di mettere in luce non solo la tragica figura dello zar, ma anche l’atteggiamento dei boiari verso di lui e del popolo, e la storia del falso Demetrio. Dall’opera di Puškin sono tratte le singole scene dell’opera musicale omonima di M. P. Musorgskij, terminata nel 1869 e rappresentata per la prima volta integralmente nel 1874 e poi riproposta di regola nella versione, modificata (tra il 1896 e il 1908), di N. A. Rimskij-Korsakov.

Il capolavoro di Mussorgsky non poteva capitare ad un momento più opportuno con quello che sta accadendo in politica in questo momento. Il baritono gallese Bryn Terfel è magnifico nel ruolo del tormentato sovrano, e anche la produzione di Richard Jones è magnifica,  perché riesce ad evitare di tracciare parallelismi tra il suo Boris e i moderni tiranni come Stalin o Putin, e le sue scene di folla sono popolate da contadini piuttosto che proletari.

In quanto allo sconcertante parallelismo con il Boris britannico, beh… ogni riferimento a persone e situazioni è puramente casuale. Ma bisogna ammettere che il tempismo è perfetto … 😜

2019 © Paola Cacciari

La luce bianca di Arvo Pärt

Quella di Arvo Pärt (nato nel 1935) è una musica che sa di foreste nordiche e di aurora boreale, di notti bianche e di trasparenza. E di luce. Ma una luce bianca che sa di neve e di ghiacci come quella della sua Estonia. Una luce che contiene tutti i colori. E’ una musica solenne e struggente quella di Pärt, una musica emozioniante e rilassante che sa di colonna sonora di grandi paesaggi di neve e di boschi. Una musica che non conoscevo e di cui mi sono pazzamente innamorata.

E meno male, che lavorare sette ore in una sala con una sound installazion a ciclo continuo avrebbe potuto mandarmi fuori di testa. E invece…

Memory & Light e’ parte del London Design Festival 2018

2018 © Paola Cacciari

Il dilemma del XXI secolo: vivere la vita o fotografarla?

Quesito: state davvero vivendo questo momento? Questo essere qui, ora a fare quello che state facendo – scrivendo sulla tastiera delo vostro computer, mangiando un gelato, guardando un quadro, un paesaggio, assistendo ad uno spettacolo, leggendo il giornale, o questo post. Lo chiedo perchè ovunque vada, per la strada o al lavoro al museo, tutto ciò che vedo sono persone di tutte le età che guardano nei fissi nei loro smartphone. Io sono una delle colpevoli, lo ammetto.

Perchè sentiamo così ungentemente il bisogno di aggiornare lo status di Facebook o di controllare per la millesima volta Twitter, Instagram gli e-mail sui nostri smartphones, la mano ansiosa che scava nella borsa o nelle tasche dei jeans a cercare il telefono non appena sentiamo il bing di una notifica indipendentemente dal luogo in cui ci troviamo?  La cosa mi preoccupa. Sarò antiquata, ma trovo estremamente maleducato verso gli artisti e gli altri spettatori usare il telefono a teatro o al cinema durante uno spettacolo. Come qualche sera fa alla Royal Albert Hall, la bellissima sala da concerti vittoriana in quel di South Kensington, dove per un colpo di fortuna stratosferico avevo trovato un biglietto bazza per un magnifico concerto di musica sinfonica russa, una fantastica hit-parade di grandi compositori come Borodin, Mussorgsky, Rimsky-Korsakov e Tchaikovsky per intenderci. Davanti a me era seduta una giovane coppia di turisti che continuava ad ignorare allegramente i richiami della maschera che ripetutamente chiedeva loro di smettere di filmare il concerto e spegnere il telefono.

Dal mio posto nella fila dietro, li vedevo incessantemente inviare messaggi su WhatsApp, picchiettare la tastiera dello smartphone con dita più veloci della luce. La luce emanata dallo schermo del telefono era in linea con la mia visione del direttore d’orchestra che finiva così per diventare tutt’uno con lo sfondo verde e giallo di WhatsApp. Ogni tanto la ragazza alzava il telefono per scattare una foto al palcoscenico prentamente condivisa su Facebook. Vedere il concerto attraverso lo schermo di un cellulare altrui non era la mia idea di una serata live. Vincedo la tentazione di afferrare il suo smartphone e ficcarglielo in gola, mi sono limitata a picchiettare gentilmente la ragazza sulla spalla chiedendole con tutta la cortesia che sono riuscita a raccogliere di metterlo via perché disturbava noi che si stava dietro. La maschera mi ha lanciato uno sguardo grato e lo stesso ha fatto la signora seduta a poca distanza da me. Non capisco. Che senso ha pagare per un concerto (ma potrebbe essere uno spettacolo teatrale, una mostra o un balletto) se poi non la si vive in pieno perché si è troppo occupati a condividerla con i milleetrecentocinquadue amici che si hanno in Facebook?

Uno studio del 2013 ha scoperto che le persone che vanno in giro per musei fotografando tutto ricordano molto meno della loro visita di coloro che invece si limitano a guardare e a scattare qualche foto occasionale. La cosa non mi sorprende. In fondo perché affaticare il cerverlo con ricordi “inutili” (cosa discutibile) quando possiamo accedere all’immenso archivo fotografico del nostro iPhone o simili o trovare la stesssa informazione su Google? Detto questo, io adoro la fotografia e scatto foto ovunque. I ricordi scivolano via come sabbia tra le dita e la fotografia è un mezzo meraviglioso per fermare il tempo. Ma c’è un tempo e un luogo per tutto. Voi cosa ne pensate?

2018 © Paola Cacciari

Torna la grande musica con i BBC Proms

Per un’appassionata (quanto squattrinata) amante della musica classica quale sono, l’arrivo dell’Estate a Londra significa una cosa sola: l’inizio dei Proms. I Proms (Promenade Concerts) non solo sono uno degli eventi da non perdere dell’estate londinese, ma sono anche il festival di musica classica più grande del mondo. Nell’arco di otto settimane, la Royal Albert Hall, la straordinaria sala da concerti di epoca vittoriana che dal 1895 ospita questo evento, diventa il palco su cui le migliori orchestre internazionali condotte da direttori d’orchestra (o semidei se chiedete a me) come Antonio Pappano e Daniel Barenboim, rinomati solisti e compositori contemporanei si esibiscono in opere nuove e grandi classici. E il tutto a partire da sole 5 sterline!

Royal Albert Hall London ©Paola Cacciari
Royal Albert Hall London ©Paola Cacciari

La dichiarazione d’intenti era semplice e resta la stessa anche oggi: provvedere musica classica di prima qualità in modo ugualitario e ad un prezzo abbordabile. E se questo da solo non bastasse (e vi assicuro che per me è più che sufficiente) è l’atmosfera rilassata e festaiola che fa dei Proms un evento unico nel suo genere – un po’ come il Glastonbury della musica classica. I posti della platea sono rimossi e la grande arena diventa standing room only, in cui i “Promenaders” (il popolo dei Proms) si ammassa per ascoltare il meglio del meglio (e a volte del peggio) della classica: dalla musica barocca italiana alle nuove creazioni di compositori emergenti, da concerti di jazz alla musica Indiana e contemporanea. Armatevi di programma, sandwiches e scarpe commode. E buon divertimento!

Royal Albert Hall London 2018 ©Paola Cacciari

Londra//dal 12 Luglio all’8 Settembre 2018. Per il programma dettagliato guardate BBC proms 2018.

2018 © Paola Cacciari

A Londra la passione, il potere e la politica nell’Opera.

Opera che passione! Ma anche potere e politica, come racconta la mostra del Victoria and Albert Museum. Perché un’opera è tutt’e  e tre queste cose e forse anche di più. Certamente, è dramma allo stato puro fatto musica.

Ma come descrivere un’opera? E soprattutto, come farci sopra una mostra? Ma se vogliamo, lo stesso problema era sorto con mostre precedenti come David Bowie Is, Savage Beauty: Alexander McQueen e Pink Floyd: Their Mortal Remains, perche le mostre “teatrali” sono tra le cose in cui il mio adorato Victoria and Albert Museum eccelle. E anche in quest’occasione non si è smentito, e dalla collaborazione del museo londinese con la Royal Opera House (con la consulenza del mitico Maestro Antonio Pappano e del direttore uscente Kasper Holten), il risultato è questa magnifica Opera, Passion, Power and Politics.

Sì perché l’opera non è solo musica cantata a squarciagola da signore voluttuose o da tenori sovrappeso (che da quando l’opera è trasmessa in diretta nei cinema anche i cantanti sono selezionati in base alle loro qualità fisiche, non solo vocali, come ben sa Lisette Oropesa, la soprano cubano-americana, che è stata costretta ad una dieta ferrea quando ha capito che stava perdendo i ruoli a causa del suo peso), ma come tutte le arti è il frutto di un particolare momento storico, sociale e culturale.

Opera Exhibition photography, 26th September 2017

Ma quale scegliere? Da dove cominciare? Allestire una mostra completa sulla storia dell’opera sarebbe stato impossibile, e allora la curatrice Kate Bailey ha deciso di concentrarsi su sette prime teatrali in sette città europee diverse che, nel corso di quattrocento anni, ben rappresentavano un periodo storico e sociale particolarmente significativo. E così si va dalla Venezia di Monteverdi, con l’Incoronazione di Poppea del 1642 simbolo della decadenza e della corruzione della società veneziana, alla Londra di Handel, all’avanguardia per i macchianari di scena e dove Rinaldo nel 1711 causò furore in quanto cantato in italiano; la Vienna di Mozart, con le Nozze di Figaro, la prima opera tipicamente illuminista che porta in scena gente comune, per arrivare alla Milano risorgimentale di Verdi con il suo magnifico Nabucco del 1842. La Parigi di Napoleone III che nel 1861 vede la prima del Tannhäuser di Wagner era una città in grande trasformazione, mentre la Dresda pre-espressionista di Richard Strauss che nel 1905 vede la prima di Salome, era sinonimo di modernità e rivoluzione sessuale per le donne. La Leningrado in cui di Šostakovič mette in scena  del 1934 la sua tragica Lady Macbeth del Distretto di Mcensk, è simbolo della censura e dell’oppressione del regime di Stalin.

Opera Passion, Power and Politics installation - Fratelli d’Italia Matthias Schaller 2005–17

Opera Passion, Power and Politics installation – Fratelli d’Italia Matthias Schaller 2005–17

Il tutto raccontato attraverso scenografie, schizzi, strumenti musicali, spartiti, costumi, dipinti, fotografie e sculture.  E così si va dai costumi di scena disegnati da Salvador Dalì per la produzione di Salome del 1949, ai dipinti di Manet, Degas, al pianoforte di Mozart e lo spartito originale del Nabucco di Verdi, in prestito dall’Archivio Storico Ricordi di Milano, il tutto accompagnato da installazioni video e audio e lighting design, e naturalmente da tanta tantissima, musica. Che non si può parlare di opera senza lasciar parlare la musica e grazie a cuffie bluetooth è possibile ascoltare le arie più belle che ci accompagnano in questo viaggio nel tempo e nello spazio da una città all’altra, da un secolo a un altro (Pur ti miro, Lascia ch’io pianga, Va pensiero etc).  E sfido anche il cuore più arido e menefreghista a non sentirsi almeno un po’ patriottico con il ‘Va pensiero‘ di Verdi, eseguito dal Royal Opera Chorus,  che ci esplode nelle orecchie mentre quando siamo davanti ad un’installazione fotografica a trecentosessanta gradi chiamata (opportunamente) Fratelli d’Italia” (2005-2016) dell’artista tedesco Matthias Schaller che per l’occasione ha fotografato oltre 150 teatri d’opera in tutto il paese, tra cui La Scala di Milano, La Fenice di Venezia, San Carlo di Napoli e Dell’Opera di Roma (e anche il Teatro Colón di Buenos Aires in Argentina, come simbolo dell’emigrazione italiana e dell’influenza culturale in Sud America). Che come dice Kasper Holten, ex direttore della Royal Opera House, per capire il legame dell’opera con la storia basta guardare alla collocazione dei teatri, sempre nel cuore delle città, come è naturale che sia per i luoghi che sono sia espressione di potere sia centri di incontro e di elaborazione intellettuale.

Opera Passion, Power and Politics installation – Leningrad / Lady Macbeth of Mtsensk
(c) Victoria and Albert Museum, London

Ci ho messo un po’ a trovarlo ma al terzo giro di va pensiero ho trovato anche il Teatro Comunale di Bologna! 🙂  Come sedere a teatro, ma lungo i corridoi di un museo.

L’unica domanda che rimane aperta è quale prima dell’opera potrà riflettere l’Europa nel ventunesimo secolo. Ai posteri l’ardua sentenza.

2018 ©Paola Cacciari

Londra// fino al 25 Febbraio 2018

Opera, passion, Power and Politics @ Victoria and Albert Museum

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